May, 2020 | Berita Seni Ilustrasi di Dunia Saat Ini

Seni Ilustrasi Di Negara Afrika Yang Sangat Keren

Seni Ilustrasi Di Negara Afrika Yang Sangat Keren – Seni Afrika menggambarkan lukisan modern dan historis, patung, instalasi, dan budaya visual lainnya dari penduduk asli atau asli Afrika dan benua Afrika.

Definisi tersebut juga dapat mencakup seni diaspora Afrika, seperti Afrika Amerika, Karibia, atau seni dalam masyarakat Amerika Selatan yang terinspirasi oleh tradisi Afrika.

Meskipun keragaman ini, ada tema artistik pemersatu yang hadir, ketika mempertimbangkan totalitas budaya visual dari benua Afrika.

Masquerade, logam, patung, arsitektur, seni serat, dan tarian adalah bentuk seni penting di Afrika dan dapat dimasukkan dalam studi seni Afrika.

Istilah “seni Afrika” biasanya tidak termasuk seni daerah Afrika Utara di sepanjang pantai Mediterania, karena daerah tersebut telah lama menjadi bagian dari tradisi yang berbeda.

Selama lebih dari satu milenium, seni daerah semacam itu telah membentuk bagian dari Berber atau seni Islam, meskipun dengan banyak karakteristik lokal tertentu.

Seni Ethiopia, dengan tradisi Kristen yang panjang, juga berbeda dari kebanyakan Afrika, di mana agama tradisional Afrika (dengan Islam di utara) dominan hingga relatif baru-baru ini.

Seni Afrika termasuk seni kuno, seni Islam Afrika Barat, seni Kristen Afrika Timur, dan seni ritualistik dari ini dan daerah lain. Kebanyakan patung Afrika secara historis terbuat dari kayu dan bahan-bahan alami lainnya yang tidak bertahan lebih awal dari, paling tidak, beberapa abad yang lalu;

tokoh tembikar yang lebih tua dapat ditemukan dari sejumlah daerah. Topeng adalah elemen penting dalam seni banyak orang, bersama dengan figur manusia, sering sangat bergaya.

Ada berbagai macam gaya, sering bervariasi dalam konteks asal yang sama tergantung pada penggunaan objek, tetapi tren regional yang luas jelas; patung adalah yang paling umum di antara “kelompok pembudidaya menetap di daerah yang dikeringkan oleh sungai Niger dan Kongo” di Afrika Barat.

Gambar langsung para dewa relatif jarang terjadi, tetapi topeng khususnya sering dibuat untuk upacara keagamaan; hari ini banyak dibuat untuk wisatawan sebagai “seni bandara”.

Sejak akhir abad ke-19 telah terjadi peningkatan jumlah seni Afrika dalam koleksi Barat, karya-karya terbaik yang sekarang ditampilkan dengan jelas. daftar slot

Seni Ilustrasi Di Negara Afrika Yang Sangat Keren1

Seni Afrika memiliki pengaruh penting pada seni Modernis Eropa, yang terinspirasi oleh kurangnya kepedulian mereka terhadap penggambaran naturalistik. Penghargaan terhadap patung Afrika inilah yang dikaitkan dengan konsep “seni Afrika”, seperti yang terlihat oleh para seniman dan sejarawan seni Eropa dan Amerika. www.americannamedaycalendar.com

Budaya Afrika Barat mengembangkan pengecoran perunggu untuk relief, seperti Perunggu Benin yang terkenal, untuk menghiasi istana dan untuk para kepala kerajaan yang sangat naturalistik dari sekitar kota Bini, Kota Benin, Negara Bagian Edo, serta dalam terakota atau logam, dari abad ke-12 hingga ke-14 .

Akan goldweights adalah bentuk patung logam kecil yang diproduksi selama periode 1400–1900; beberapa rupanya mewakili peribahasa, menyumbang unsur naratif yang langka dalam patung Afrika; dan royal regalia termasuk elemen pahatan emas yang mengesankan.

Banyak tokoh Afrika Barat digunakan dalam ritual keagamaan dan sering dilapisi dengan bahan yang ditempatkan pada mereka untuk persembahan upacara.

Orang-orang yang berbahasa Mande di wilayah yang sama membuat potongan-potongan dari kayu dengan permukaan yang luas dan datar, serta lengan dan kaki yang berbentuk seperti silinder.

Namun, di Afrika Tengah, karakteristik pembeda utama termasuk wajah berbentuk hati yang melengkung ke dalam dan menampilkan pola lingkaran dan titik-titik.

Seni dari Tanzania dikenal dengan lukisan Tinga Tinga modern dan patung Makonde. Seperti di daerah lain, ada juga beragam tradisi dalam memproduksi seni tekstil.

Budaya dari Great Zimbabwe meninggalkan bangunan yang lebih mengesankan daripada patung, tetapi delapan Burung Soapstone Zimbabwe tampaknya memiliki makna khusus dan mungkin dipasang pada monolit.

Pematung modern Zimbabwe di soapstone telah mencapai kesuksesan internasional yang cukup besar. Figur tanah liat tertua yang diketahui di Afrika Selatan berasal dari 400 hingga 600 M dan memiliki kepala silinder dengan campuran fitur manusia dan hewan.

Elemen tematik

1. Kreativitas artistik atau individualisme Ekspresif: Dalam seni Afrika Barat khususnya, ada penekanan luas pada individualisme ekspresif sementara secara bersamaan dipengaruhi oleh karya para pendahulu. Contohnya adalah seni Dan serta kehadirannya di diaspora Afrika Barat.

2. Penekanan pada sosok manusia: Sosok manusia selalu menjadi subjek utama bagi sebagian besar seni Afrika, dan penekanan ini bahkan memengaruhi tradisi Eropa tertentu.

Sebagai contoh, pada abad ke-15 Portugal berdagang dengan budaya Sapi di dekat Pantai Gading di Afrika Barat, yang menciptakan bilah garam gading yang rumit yang merupakan hibrida desain Afrika dan Eropa,

terutama dalam penambahan sosok manusia (sosok manusia biasanya tidak muncul dalam bilah garam Portugis).

Sosok manusia dapat melambangkan yang hidup atau yang mati, dapat merujuk kepala, penari, atau berbagai perdagangan seperti penabuh genderang atau pemburu, atau bahkan mungkin representasi antropomorfik dewa atau memiliki fungsi pemilihan lainnya. Tema umum lainnya adalah antar morfosis manusia dan hewan.

3. Abstraksi visual: karya seni Afrika cenderung lebih menyukai abstraksi visual daripada representasi naturalistik. Ini karena banyak karya seni Afrika menggeneralisasi norma-norma gaya.

Cakupan

Studi tentang seni Afrika hingga saat ini berfokus pada seni tradisional kelompok-kelompok terkenal tertentu di benua itu, dengan penekanan khusus pada seni patung tradisional,

topeng dan budaya visual lainnya dari Afrika Barat non-Islam, Afrika Tengah, dan Afrika Selatan dengan penekanan khusus pada abad ke-19 dan ke-20.

Baru-baru ini, bagaimanapun, telah ada gerakan di antara sejarawan seni Afrika dan cendekiawan lain untuk memasukkan budaya visual daerah lain dan periode waktu.

Gagasannya adalah bahwa dengan memasukkan semua budaya Afrika dan budaya visual mereka dari waktu ke waktu dalam seni Afrika, akan ada pemahaman yang lebih besar tentang estetika visual benua sepanjang waktu. Akhirnya, seni orang-orang diaspora Afrika, di Brasil, Karibia, dan Amerika Serikat bagian tenggara, juga sudah mulai dimasukkan dalam studi seni Afrika.

Gabon

Seni Ilustrasi Di Negara Afrika Yang Sangat Keren

Orang-orang Fang membuat topeng dan keranjang, ukiran, dan patung. Seni Fang ditandai oleh kejelasan terorganisir dan garis serta bentuk yang berbeda. Bieri, kotak untuk menampung sisa-sisa leluhur, diukir dengan figur pelindung. Masker dipakai dalam upacara dan untuk berburu.

Wajah-wajah dicat putih dengan fitur hitam. Seni Myene berpusat di sekitar ritual Myene untuk kematian. Nenek moyang perempuan diwakili oleh topeng dicat putih yang dikenakan oleh saudara laki-laki.

Orang Bekota menggunakan kuningan dan tembaga untuk menutupi ukiran mereka. Mereka menggunakan keranjang untuk menampung jasad leluhur. Pariwisata jarang ada di Gabon, dan tidak seperti di negara-negara Afrika lainnya, seni tidak didorong oleh perdagangan.

Museum

Banyak museum seni dan etnografi memiliki bagian yang didedikasikan untuk seni dari Afrika Sub-Sahara, misalnya Museum Seni Metropolitan di New York dan Museum Etnologi Berlin.

Beberapa museum barat didedikasikan hanya untuk seni Afrika, seperti Museum Nasional Seni Afrika di Washington, D.C .. Satu pengecualian adalah Museum Seni Afrika Maryland yang terletak di Columbia, Maryland antara Washington, DC dan Baltimore, MD.

Didirikan pada tahun 1980, museum ini menampung karya seni dari masyarakat tradisional termasuk patung pahatan, topeng, keranjang, perhiasan, tekstil, dan alat musik.

Beberapa perguruan tinggi dan universitas memiliki koleksi seni Afrika, misalnya Howard University di Washington, DC dan Spelman College di Atlanta, Georgia. Museum-museum nasional di Afrika menampung seni Afrika, misalnya Museum Nasional Nigeria di Lagos.

Demikian informasi yang dapat kami sampaikan! Terimakasih sudah membaca!…

Inilah Seni Ilustrasi Yang Terkenal Di Dunia

Inilah Seni Ilustrasi Yang Terkenal Di Dunia – Ilustrasi adalah gambar, lukisan atau karya seni cetak yang menjelaskan, mengklarifikasi, menerangi, secara visual mewakili, atau hanya menghiasi teks tertulis, yang mungkin bersifat sastra atau komersial.

Secara historis, ilustrasi buku dan ilustrasi majalah / surat kabar telah menjadi bentuk utama dari jenis seni visual ini, meskipun ilustrator juga telah menggunakan keterampilan grafis mereka di bidang seni poster, iklan, buku komik, seni animasi, kartu ucapan, kartun-strip .

Sebagian besar gambar ilustratif dibuat menggunakan pena-dan-tinta, arang, atau titik logam, setelah itu mereka direplikasi menggunakan berbagai proses cetak termasuk: pemotongan kayu, ukiran, etsa, litografi, fotografi dan ukiran halftone, antara lain.

Saat ini, bisa dikatakan ada lima jenis ilustrasi utama: “grafik informasi” pendidikan (mis. Buku teks ilmiah); sastra (misalnya buku anak-anak); permainan fantasi dan buku; media (majalah, majalah, surat kabar); dan komersial (poster iklan, tempat penjualan, pengemasan produk).

Banyak dari ilustrasi ini dirancang dan dibuat menggunakan perangkat lunak grafik komputer seperti Adobe Illustrator, Photoshop, dan CorelDRAW, serta tablet Wacom,

meskipun metode tradisional seperti cat air, pastel, kasein, tempera telur, ukiran kayu, pemotongan linoleum, dan pena dan tinta pena juga digunakan. Ada perdebatan yang sedang berlangsung tentang apakah ilustrasinya paling baik dikategorikan sebagai seni rupa, seni terapan atau bahkan seni dekoratif.

Namun, melihat banyak karya ilustratif yang diciptakan selama berabad-abad, orang tidak dapat ragu bahwa artform ini memiliki peringkat yang nyaman di samping seni rupa lain seperti lukisan dan patung. gaple online

Ilustrasi Dari Prasejarah, Purbakala (30.000 SM – 600 M)

Asal usul ilustrasi – sebelum penemuan “menulis” – berasal dari lukisan gua di Chauvet, Lascaux dan Altamira, ketika seniman paleolitik menggunakan arang dan oker untuk menggambarkan apa yang mereka lihat di sekitar mereka (c. 30.000-10.000 SM). https://www.americannamedaycalendar.com/

Gambar-gambar arang yang kasar tetapi hidup ini bertahan karena keberadaannya yang terpencil. Sebagian besar lainnya, diciptakan pada Zaman Klasik dan Abad Kegelapan (sekitar 30.000 SM – 800 M) kurang beruntung, dan sejak itu dihancurkan.

Pengecualian yang penting adalah serangkaian ilustrasi Mesir (mis. Legenda yang mengabadikan kehidupan setelah kematian) yang ditemukan di makam Firaun (c.3000-1000 SM). Di Timur (Cina, Jepang), bentuk ilustrasi paling awal dibuat menggunakan potongan kayu.

Ilustrasi Buku Dari Eropa Insular (Irlandia, Inggris c.600-1100)

Salah satu jenis seni Kristen purba yang diproduksi pada Abad Pertengahan adalah teks religius bergambar.

Manuskrip-manuskrip yang diterangi ini, dibuat di dalam skriptis biara Irlandia, Inggris, dan Kontinental, ditulis tangan dalam bahasa Latin pada kulit binatang, kemudian dihiasi dengan seni Alkitab, termasuk gambar-gambar Keluarga Suci dan Para Rasul. (Lihat juga: Pembuatan Manuskrip Iluminasi.)

Di antara teks-teks Injil bergambar paling terkenal dari periode ini adalah Cathach dari St. Echternach Gospels (c.700), the Lichfield Gospels (730), dan Book of Kells (c.800) lihat, khususnya, Halaman Monogram Kristus yang indah (Chi / Rho).

Dipengaruhi oleh teks-teks dari Susunan Kristen Timur, terutama gereja-gereja Bizantium dan Koptik (Afrika Utara), ilustrator Irlandia dan Anglo-Saxon awal memasukkan “halaman karpet” dan motif dekoratif lainnya yang mewakili titik tinggi seni Kristen awal.

Ilustrasi Buku Carolingian (c.750-900)

Charlemagne I, King of the Franks from 768 dan dimahkotai Kaisar Romawi Suci pada tahun 800, adalah seorang pelindung manuskrip keagamaan, meskipun masih diperdebatkan apakah dia sendiri pernah belajar membaca.

Buku-buku ini, diilustrasikan dengan gambar-gambar seni Kristen yang diciptakan oleh para penulis dan biarawan seniman di istana Carolingian di Aachen, kadang-kadang ditulis dengan tinta emas atau perak pada dedaunan berwarna ungu untuk menekankan hubungan Charlemagne dengan jaman dahulu kekaisaran.

Salah satu reformasi yang diperkenalkan oleh Charlemagne adalah naskah baru yang lebih sederhana. Ini dikenal sebagai ‘Caroline sangat kecil’, dan hampir semua naskah yang ditulis pada masa pemerintahan Charlemagne ada dalam naskah ini.

Naskah tertua yang masih ada untuk memuat naskah ini adalah Godescalc Evangelistary yang selesai dibangun pada tahun 783. Karya agung lainnya dari seni Carolingian termasuk Psalter Utrecht (Perpustakaan Universitas Utrecht), Injil Penobatan (Wina),

Godiccalc Pericopes (781-3, Bibliotheque Nationale, Paris ), Abbeville Gospels (Bibliotheque Municipale, Abbeville), Trier Gospels (Stadtbibliothek, Trier) dan Lorsch Gospels (Perpustakaan Vatikan, Roma), dan Egino Codex (796-99, Staatsbibliothek, Berlin).

Ilustrasi Buku Ottonian (c.900-1050)

Setelah kematian Charlemagne, lebih dari 100 tahun sebelum Otto Agung muncul untuk melanjutkan tradisi melukis dan ilustrasi buku. Sebenarnya, cucu Otto, Otto III, yang menunjukkan antusiasme khusus terhadap bentuk lukisan abad pertengahan ini. manuskrip yang diterangi.

Dia tidak mempekerjakan seniman istana, sebaliknya dia memesan naskah dari biara-biara besar seperti Trier. Karya agung bergambar seni Ottonian termasuk buku-buku seperti, Livy abad kelima, salinan Boethius tentang Aritmatika, Kiamat Bamberg yang agung, sebuah Buku Injil yang kaya dengan hiasan emas (sekarang di Perpustakaan Universitas Uppsala) dan komentar bergambar tentang Yesaya.

Ilustrasi buku Otton membawa kita ke iluminasi manuskrip Abad Pertengahan, yang terdiri dari tiga gerakan utama: Romawi, Gotik, dan gaya Gotik Internasional yang sopan.

Ilustrasi Buku Roman: Inggris dan Benua (1050-1200)

Setelah kolaborasi erat antara biara-biara di Irlandia, Iona, dan Inggris Utara selama periode (600-900) lukisan buku Inggris mencapai ketinggian baru di abad ke-10, dengan Winchester dan Canterbury menjadi pusat naskah utama.

Salah satu manuskrip besar Romawi yang diterangi kali ini adalah Benediktus yang dibuat untuk St. Aethelwold, Uskup Winchester (c.963). Manuskrip ini, dibuat oleh seorang biksu bernama Godeman,

ditandai dengan miniatur yang berisi tokoh-tokoh yang digambar dengan cermat dan dedaunan yang kaya dihiasi dengan emas. Aelfric, murid St. Aethelwold dan kemudian penulis biografinya, menerjemahkan dan mengilustrasikan lima buku pertama Perjanjian Lama (Pentateukh),

dan versi-versi yang dibuat pada awal abad ke-11 sangat kaya dan bervariasi dalam ilustrasi mereka. Pada masa Milenium baru, semua biara Inggris akan memiliki perpustakaan yang cukup besar, dan sejumlah Alkitab yang diterangi dan teks-teks Injil lainnya yang berharga.

Selain itu, Mazmur khusus, dan komentar Alkitab lainnya dibuat dan diilustrasikan dengan lukisan sebagai hadiah untuk Uskup, Uskup Agung, dan Paus.

Di Benua, Roma, Cluny, dan Salzburg adalah pusat utama seni Romawi. Ordo-ordo keagamaan baru dan kelompok-kelompok seperti Benediktin dari Italia, dan Cluniacs, ordo Cistercian dan Carthusian dari Prancis, diarahkan untuk membaca, membuat buku, dan belajar.

Meskipun pada 1.200 literasi masih hampir tidak dikenal di kalangan populasi umum, ada lebih dari 2000 biara di Inggris atau Benua – semuanya membutuhkan buku. Industri buku yang berkembang ini mendukung banyak ilustrator dan iluminator buku.

Karya-karya kunci meliputi: Vita Mathildis dari Donizo (pra-1115, Perpustakaan Vatikan, Roma); St Albans Psalter (1120-30, Hildescheim); Mazmur Henry de Blois (1140-60, British Library, London); the Lambeth Bible (1150, Canterbury); Buku Injil Henry sang Singa (1173, Herzog August Bibliothek, Wolfenbüttel).

Demikian informasi yang dapat kami sampaikan! Terimakasih sudah membaca!…

Seni Ilustrasi Yang Berasal Dari Amerika Serikat

Seni Ilustrasi Yang Berasal Dari Amerika Serikat – Seni Ilustrasi Amerika Serikat atau seni Amerika adalah seni visual yang dibuat di Amerika Serikat atau oleh seniman AS.

Sebelum penjajahan ada banyak tradisi seni asli Amerika yang berkembang, dan di mana Spanyol menjajah arsitektur Kolonial Spanyol dan gaya-gaya yang menyertainya di media lain dengan cepat ada.

Seni kolonial awal di Pantai Timur pada awalnya mengandalkan seniman dari Eropa, dengan John White (1540-c. 1593) contoh paling awal. Pada akhir abad ke-18 dan awal ke-19, seniman terutama melukis potret, dan beberapa lanskap dalam gaya yang terutama didasarkan pada lukisan Inggris.

Pembuat furnitur meniru gaya Inggris dan pengrajin serupa juga didirikan di kota-kota besar, tetapi di koloni Inggris, tembikar buatan lokal tetap utilitarian hingga abad ke-19, dengan produk-produk mewah yang diimpor.

Tetapi pada abad ke-18 kemudian, dua seniman AS, Benjamin West dan John Singleton Copley, menjadi pelukis paling sukses di London dalam lukisan sejarah, yang kemudian dianggap sebagai bentuk seni tertinggi, memberikan tanda pertama dari kekuatan yang muncul dalam seni Barat.

Seniman Amerika yang tetap di rumah menjadi semakin terampil, meskipun ada sedikit kesadaran mereka di Eropa. Pada awal abad ke-19, infrastruktur untuk melatih para seniman mulai didirikan,

dan mulai tahun 1820 Sekolah Sungai Hudson mulai menghasilkan lukisan pemandangan romantis yang asli dan cocok dengan skala besar lanskap AS.

Revolusi Amerika menghasilkan permintaan akan seni patriotik, terutama lukisan sejarah, sementara seniman lain merekam negara perbatasan. Perkembangan paralel yang terbentuk di pedesaan AS adalah gerakan kerajinan Amerika, yang dimulai sebagai reaksi terhadap revolusi industri. daftar joker388

Setelah 1850 seni Akademik dalam gaya Eropa berkembang, dan ketika orang Amerika yang lebih kaya menjadi sangat kaya, aliran seni Eropa, baru dan lama, ke AS dimulai; ini terus berlanjut sejak itu. www.mrchensjackson.com

Museum mulai dibuka untuk menampilkan sebagian besar dari ini. Perkembangan dalam seni modern di Eropa datang ke AS dari pameran di New York City seperti Armory Show pada 1913.

Setelah Perang Dunia II, New York menggantikan Paris sebagai pusat dunia seni. Sejak itu banyak gerakan A.S. telah membentuk seni Modern dan Postmodern. Seni di Amerika Serikat saat ini mencakup banyak gaya.

Awal Mula

Salah satu pelukis pertama yang mengunjungi Amerika Inggris adalah John White (c. 1540 – c. 1606), yang membuat catatan cat air penting tentang kehidupan penduduk asli Amerika di pesisir timur (sekarang British Museum).

White pertama kali mengunjungi Amerika sebagai seniman dan pembuat peta untuk ekspedisi penjelajahan, dan pada tahun-tahun awal masa kolonial, sebagian besar seniman lain yang dilatih dengan gaya Barat adalah perwira di angkatan darat dan laut, yang pelatihannya termasuk membuat sketsa lanskap.

Akhirnya pemukiman Inggris tumbuh cukup besar untuk mendukung seniman profesional, sebagian besar pelukis potret, sering kali sebagian besar belajar sendiri.

Di antara yang paling awal adalah John Smybert (1688-1751), seorang seniman terlatih dari London yang beremigrasi pada tahun 1728 yang bermaksud menjadi profesor seni rupa, tetapi sebaliknya menjadi pelukis potret dan penjual cetakan di Boston.

Temannya Peter Pelham adalah seorang pelukis dan pembuat lukisan. Keduanya membutuhkan sumber pendapatan lain dan memiliki toko.

Sementara itu, wilayah Spanyol yang kemudian menjadi Amerika sebagian besar dapat melihat seni religius dalam gaya Barok akhir, sebagian besar oleh seniman pribumi, dan budaya asli Amerika terus menghasilkan seni dalam berbagai tradisi mereka.

Abad kedelapan belas

Setelah Deklarasi Kemerdekaan tahun 1776, yang menandai awal resmi identitas nasional Amerika, negara baru itu membutuhkan sejarah, dan bagian dari sejarah itu akan diekspresikan secara visual.

Sebagian besar seni Amerika awal (dari akhir abad ke-18 hingga awal abad ke-19) terdiri dari lukisan sejarah dan terutama potret. Seperti di Amerika Kolonial, banyak pelukis yang berspesialisasi dalam potret pada dasarnya belajar sendiri; yang terkenal di antara mereka adalah Joseph Badger, John Brewster, Jr.,

dan William Jennys. Para seniman bangsa muda pada umumnya meniru gaya seni Inggris, yang mereka tahu melalui cetakan dan lukisan imigran terlatih Inggris seperti John Smibert (1688-1751) dan John Wollaston (aktif 1742–75).

Robert Feke (1707–52), seorang pelukis yang tidak terlatih pada masa kolonial, mencapai gaya canggih berdasarkan contoh Smibert.

Charles Willson Peale, yang memperoleh banyak pelatihan seni paling awal dengan mempelajari salinan lukisan Eropa karya Smibert, melukis potret banyak tokoh penting Revolusi Amerika. Adik Peale, James Peale dan empat putra Peale Raphaelle Peale, Rembrandt Peale,

Rubens Peale dan Titian Peale juga seniman. Pelukis seperti Gilbert Stuart membuat potret para pejabat pemerintah yang baru terpilih, yang menjadi ikon setelah direproduksi di berbagai prangko AS pada abad ke-19 dan awal abad ke-20.

John Singleton Copley melukis potret lambang untuk kelas pedagang yang semakin makmur, termasuk potret Paul Revere (sekitar 1768-70). Versi asli lukisannya yang paling terkenal,

Watson and the Shark (1778), ada dalam koleksi The National Gallery of Art sementara ada versi lain di Boston Museum of Fine Arts dan versi ketiga di Institut Detroit. Seni. Benjamin West melukis potret serta lukisan sejarah Perang Prancis dan India.

Barat juga bekerja di London di mana banyak seniman Amerika belajar di bawahnya, termasuk Washington Allston, Ralph Earl, James Earl, Samuel Morse, Charles Willson Peale, Rembrandt Peale, Gilbert Stuart, John Trumbull, Mather Brown, Edward Savage dan Thomas Sully.

John Trumbull melukis adegan pertempuran besar Perang Revolusi. Ketika lanskap dilukis, itu paling sering dilakukan untuk menunjukkan berapa banyak properti yang dimiliki subjek, atau sebagai latar belakang yang indah untuk potret.

Pergerakan Amerika modern lainnya

Anggota generasi artistik berikutnya menyukai bentuk abstraksi yang berbeda: karya media campuran. Di antara mereka adalah Robert Rauschenberg (1925–2008) dan Jasper Johns (1930), yang menggunakan foto, kertas koran, dan benda-benda buangan dalam komposisi mereka.

Artis pop, seperti Andy Warhol (1928–1987), Larry Rivers (1923–2002), dan Roy Lichtenstein (1923–1997), direproduksi, dengan perawatan satiris, benda sehari-hari dan gambar budaya populer Amerika botol Coca-Cola, kaleng sup, strip komik.

Realisme juga terus populer di Amerika Serikat, terlepas dari dampak modernisme; kecenderungan realis tampak jelas dalam adegan kota Edward Hopper, citra pedesaan Andrew Wyeth, dan ilustrasi Norman Rockwell.

Di tempat-tempat tertentu Abstrak Ekspresionisme tidak pernah tertangkap; misalnya, di Chicago, gaya seni dominan adalah aneh, realisme simbolis, seperti dicontohkan oleh Chicago Imagists Cosmo Campoli (1923–1997), Jim Nutt (1938-), Ed Paschke (1939–2004), dan Nancy Spero (1926) –2009).

Seni kontemporer memasuki abad ke-21

Pada awal abad ke-21, seni kontemporer di Amerika Serikat secara umum berlanjut dalam beberapa mode yang berdekatan, ditandai dengan gagasan pluralisme Budaya. “Krisis” dalam seni lukis dan seni saat ini dan kritik seni saat ini disebabkan oleh pluralisme.

Tidak ada konsensus, juga tidak perlu ada, untuk gaya representatif zaman ini. Ada sesuatu yang berlaku yang berlaku; sindrom “semuanya terjadi”; tanpa arah yang tegas dan jelas, namun dengan setiap jalur di jalan tol artistik dipenuhi kapasitas.

Akibatnya, karya seni yang luar biasa dan penting terus dibuat di Amerika Serikat meskipun dalam berbagai gaya dan temperamen estetika, pasar dibiarkan untuk menilai pantas.

Lukisan keras, Abstraksi geometris, Apropriasi, Hiperrealisme, Fotorealisme, Ekspresionisme, Minimalisme, Abstraksi Liris, Pop art, Seni Op, Abstrak Ekspresionisme, Lukisan Bidang Warna, Lukisan Monokrom, Neo-ekspresionisme, Kolase, Lukisan Intermedia,

Lukisan kumpulan, Digital lukisan, lukisan Postmodern, lukisan Neo-Dada, lukisan kanvas berbentuk, lukisan mural lingkungan, grafiti, lukisan tokoh tradisional, lukisan pemandangan, lukisan potret, adalah beberapa arahan yang berlanjut dan saat ini dalam melukis pada awal abad ke-21.

Demikian informasi yang dapat kami sampaikan! Terimakasih sudah membaca!…

Inilah Penjelasan Apa Arti Seni Ilustrasi

Inilah Penjelasan Apa Arti Seni Ilustrasi – Ilustrasi adalah dekorasi, interpretasi atau penjelasan visual dari suatu teks, konsep atau proses, yang dirancang untuk integrasi dalam media yang diterbitkan, seperti poster, selebaran, majalah, buku, bahan ajar, animasi, permainan video dan film.

Ilustrasi biasanya dibuat oleh ilustrator. Ilustrasi juga berarti memberikan contoh; baik secara tertulis atau dalam bentuk gambar.

Asal kata “ilustrasi” adalah bahasa Inggris Tengah akhir (dalam arti “iluminasi; pencerahan spiritual atau intelektual”): melalui bahasa Prancis Kuno dari ilustrasi Latin, dari kata kerja ilustrasinya. joker388

Gaya ilustrasi

Ilustrasi kontemporer menggunakan berbagai gaya dan teknik, termasuk menggambar, melukis, seni grafis, kolase, montase, desain digital, multimedia, pemodelan 3D. Tergantung pada tujuannya, ilustrasi dapat ekspresif, bergaya, realistis atau sangat teknis. https://www.mrchensjackson.com/

Area spesialis meliputi:

Ilustrasi arsitektur
Ilustrasi arkeologis
Ilustrasi botani
Konsep seni
Ilustrasi mode
Grafik informasi
Ilustrasi teknis
Ilustrasi medis
Ilustrasi naratif
Buku bergambar
Ilustrasi ilmiah

Ilustrasi teknis dan ilmiah

Ilustrasi teknis dan ilmiah menyampaikan informasi yang bersifat teknis atau ilmiah. Ini mungkin termasuk pandangan meledak, cutaways, fly-through, rekonstruksi, gambar instruksional, desain komponen, diagram.

Tujuannya adalah “untuk menghasilkan gambar ekspresif yang secara efektif menyampaikan informasi tertentu melalui saluran visual kepada pengamat manusia”.

Ilustrasi teknis dan ilmiah umumnya dirancang untuk menggambarkan atau menjelaskan subjek kepada audiens nonteknis, sehingga harus memberikan “kesan keseluruhan tentang apa objek itu atau tidak, untuk meningkatkan minat dan pemahaman pemirsa”.

Dalam praktik ilustrasi kontemporer, perangkat lunak 2D dan 3D sering digunakan untuk membuat representasi akurat yang dapat diperbarui dengan mudah, dan digunakan kembali dalam berbagai konteks.

Ilustrasi sebagai seni rupa

Oberon, Titania, dan Puck dengan Peri Penari oleh William Blake (1786)

Dalam dunia seni, ilustrasi terkadang dianggap kurang penting daripada desain grafis dan seni rupa.

Namun, saat ini, sebagian karena tumbuhnya industri grafis novel dan video game, serta meningkatnya penggunaan ilustrasi di majalah dan publikasi lainnya, ilustrasi kini menjadi bentuk seni yang bernilai, yang mampu melibatkan pasar global.

Seni ilustrasi asli telah dikenal untuk menarik harga tinggi di pelelangan. Lukisan artis AS Norman Rockwell “Breaking Home Ties” terjual dalam lelang Sotheby 2006 seharga USD15,4 juta. Banyak genre ilustrasi lainnya sama-sama dihargai, dengan seniman pinup seperti Gil Elvgren dan Alberto Vargas, misalnya, juga menarik harga tinggi.

abad ke-19

Di Eropa, tokoh-tokoh penting dari awal abad ke-19 adalah John Leech, George Cruikshank, ilustrator Dickens Hablot Knight Browne, dan, di Perancis, Honoré Daumier. Semua berkontribusi pada publikasi yang menyindir dan “serius”. Pada saat ini, ada permintaan besar untuk gambar karikatur yang merangkum norma, kelas, dan kelas sosial.

Majalah humor Inggris Punch (1841–2002) dibangun di atas keberhasilan Cruikshank’s Comic Almanac (1827–1840) dan mempekerjakan banyak ilustrator terkenal, termasuk Sir John Tenniel, Saudara Dalziel, dan Georges du Maurier. Meskipun semua seni rupa dilatih, reputasi mereka diperoleh terutama sebagai ilustrator.

Secara historis, Punch paling berpengaruh di tahun 1840-an dan 1850-an. Majalah itu adalah yang pertama menggunakan istilah “kartun” untuk menggambarkan ilustrasi lucu dan penggunaannya yang meluas menyebabkan John Leech dikenal sebagai “kartunis” pertama di dunia.

Serupa dengan majalah serupa seperti Parisian Le Voleur, Punch menyadari ilustrasi bagus yang dijual serta teks yang bagus. Dengan penerbitan berlanjut ke abad ke-21, Punch mencatat perubahan bertahap dalam ilustrasi populer, dari ketergantungan pada karikatur menjadi observasi topikal yang canggih.

Usia emas”

Dari surat kabar awal 1800-an, majalah pasar massal, dan buku bergambar telah menjadi media konsumen yang dominan di Eropa dan Dunia Baru. Pada abad ke-19, peningkatan dalam teknologi pencetakan membebaskan ilustrator untuk bereksperimen dengan warna dan teknik rendering.

Perkembangan dalam pencetakan ini memengaruhi semua bidang sastra dari buku masak, fotografi, dan panduan perjalanan, serta buku anak-anak. Selain itu, karena kemajuan dalam pencetakan, menjadi lebih terjangkau untuk menghasilkan foto berwarna dalam buku dan bahan lainnya.

Pada tahun 1900, hampir 100 persen kertas dibuat oleh mesin, dan sementara seseorang yang bekerja dengan tangan dapat menghasilkan 60-100lbs kertas per hari, mekanisasi menghasilkan sekitar £ 1.000 per hari. Selain itu, dalam periode 50 tahun antara 1846 dan 1916, produksi buku meningkat 400% dan harga buku dikurangi setengahnya.

Di Amerika, ini mengarah pada “zaman keemasan ilustrasi” dari sebelum tahun 1880-an hingga awal abad ke-20. Sekelompok kecil ilustrator menjadi sangat sukses, dengan citra yang mereka buat dianggap sebagai potret aspirasi Amerika saat itu.

Di antara ilustrator-ilustrator paling terkenal pada periode itu adalah N.C. Wyeth dan Howard Pyle dari Brandywine School, James Montgomery Flagg, Elizabeth Shippen Green, J. C. Leyendecker, Violet Oakley, Maxfield Parrish, Jessie Willcox Smith, dan John Rea Neill.

Martha Thoma (Sofyan, 1994: 171)

Gagasan ilustrasi dalam kaitannya dengan seni lukis berkembang di sepanjang alur sejarah dan juga dalam banyak hal, keduanya sama.

Sebagai cara tradisional, keduanya terinspirasi oleh kreasi sastra, tetapi satu-satunya lukisan dibuat untuk mendekorasi dinding atau langit-langit sementara ilustrasi dibuat untuk mempercantik naskah, bukan insiden, dan membantu menjelaskan sebuah cerita.

Rohidi (1984: 87)

Rohidi mengatakan bahwa ilustrasi yang berhubungan dengan seni rupa adalah menggambarkan sesuatu melalui elemen seni, menjelaskan atau memperindah teks, sehingga pembaca dapat merasakan langsung melalui mata, kesan, dan karakteristik gerakan mereka dari penceritaan.

Ilustrasi adalah dekorasi, interpretasi atau penjelasan visual dari suatu teks, konsep atau proses, yang dirancang untuk integrasi dalam media yang diterbitkan, seperti poster, selebaran, majalah, buku, bahan ajar, animasi, permainan video, dan film.

Asal kata “ilustrasi” berasal dari Bahasa Inggris Tengah Akhir (dalam arti ‘iluminasi; pencerahan spiritual atau intelektual’): melalui Bahasa Prancis Kuno dari illustratio Latin (n-), dari kata kerja ilustrasinya

Dalam terminologi, ilustrasi didefinisikan sebagai gambar yang berfungsi untuk menjelaskan sesuatu peristiwa. Sementara secara etimologis, kata “Ilustrasi” berasal dari bahasa Latin “Illustrare” yang berarti menjelaskan atau menjelaskan.

Dalam bahasa Belanda disebut Ilustratie yang didefinisikan sebagai hiasan dengan gambar atau memperjelas sesuatu. Ilustrasi juga berasal dari bahasa Inggris “Ilustrare” yang berarti menjelaskan.

Selain itu, ilustrasinya juga dikatakan berasal dari kata ilusi. Memahami ilusi sebagai gambaran angan-angan.

Ini adalah pengantar atau pelengkap tujuan untuk membantu seseorang agar lebih mudah dan mengerti tentang pesan dalam sebuah gambar. Ilustrasi gambar yang merupakan karya seni dua dimensi, dengan tujuan untuk memperjelas pemahaman.

Gambar ilustrasi digunakan untuk menghias buku atau majalah dan koran di kolom tertentu. Biasanya, Ilustrasi juga merupakan bentuk visual dari teks atau kalimat

Bagi pecinta ilustrasi itu sendiri, selain bentuknya yang unik dan menarik dengan berbagai pesan, juga bisa sebagai pendidikan bagi anak-anak yang lebih tertarik dengan gambar karena belum bisa membaca dengan baik.

Ilustrasi juga dapat menggambarkan adegan dalam sebuah cerita, sehingga gambar umumnya menggambarkan karakter atau keseluruhan isi cerita. Tidak hanya itu, ilustrasinya juga berfungsi dalam mendekorasi ruangan dan memadukannya dengan ornamen lain.

Demikian informasi yang dapat kami sampaikan! Terimakasih sudah membaca!…

Inilah Seni Yang Terdapat Di Negara Chile

Inilah Seni Yang Terdapat Di Negara Chile – Seni Chili mengacu pada semua jenis seni visual yang dikembangkan di Chili, dari kedatangan penakluk Spanyol hingga zaman modern. Ini juga termasuk ekspresi bergambar asli pra-Columbus di wilayah Chili modern.

Seni pra-Columbus

Lukisan prasejarah di Chili, juga disebut lukisan Chili pra-Kolombia, mengacu pada semua jenis lukisan atau teknik melukis yang digunakan untuk mewakili objek atau orang selama periode sebelum penaklukan Spanyol.

Dikembangkan sebelum adanya sumber-sumber tertulis, studi periode ini didasarkan pada sisa-sisa material dan sisa-sisa budaya yang berkembang. daftar joker123

Awal seni pra-Columbus di Chili bertepatan dengan penampilan budaya asli di wilayah itu, dan berakhir sekitar awal penaklukan Spanyol Chili sekitar 1500AD. Setelah periode ini, seni asli hampir dihilangkan oleh komunitas Katolik sebagai bagian dari proses konversi penduduk asli. (lihat juga: Gereja Katolik dan Zaman Penemuan, misi Spanyol di Amerika Selatan). www.benchwarmerscoffee.com

Seni prasejarah berkaitan erat dengan lukisan-lukisan gua dan petroglif yang dikembangkan selama periode pra-sejarah, terutama di bagian paling utara Chili.

Sejarah

Sejarawan seni Luis Álvarez Urquieta adalah salah satu penulis pertama yang mengangkat masalah seni pra-Columbus dalam bukunya “Pintura en Chile” (Lukisan di Chili).

Penulis menjelaskan bahwa sebagian besar lukisan yang dikembangkan sebelum kedatangan orang Spanyol dilakukan oleh budaya Atacameño dan Araucano, dan juga mengidentifikasi pengaruh Diaguita dan Inca.

Penggunaan seni saat ini bisa bersifat estetika, praktis, ritual atau keagamaan, tergantung pada budaya dan sumber daya yang tersedia. Tokoh dan simbol binatang berlimpah tetapi gambar orang tidak muncul kecuali mereka penting atau memiliki makna magis bagi suku tersebut.

Referensi budaya bervariasi tergantung pada daerah di mana orang tinggal. Budaya utara, seperti Diaguita, lebih menyukai figur geometris dan menggunakan tembikar dan petroglyph secara ekstensif.

Orang-orang Mapuche [4], yang berbasis di pusat wilayah Chili modern, lebih fokus pada ritual yang dilakukan oleh machi (dukun Mapuche), serta para dewa dan dewa mereka.

Mereka mengembangkan tekstil ritual warna-warni, digunakan oleh machi, dan tembikar yang dirancang khusus untuk digunakan dalam penguburan. Desain mereka juga mencakup beberapa pengaruh utara.

Di ujung selatan, ada beberapa bukti seni petroglyph tetapi kurang dari di utara. Yang menonjol di antara budaya selatan adalah karya seni orang Selknam, juga dikenal sebagai Ona, yang mendekorasi tubuh mereka sebagai bagian dari ritual keagamaan.

Secara keseluruhan, seni asli prasejarah di seluruh Amerika hampir sepenuhnya dihancurkan oleh penakluk Spanyol, dan Chili tidak luput dari ini. Beberapa jenazah dilestarikan di utara, di mana, berkat kualitas pengawetan Gurun Atacama yang gersang, benda-benda tertentu dari nilai warisan bergambar telah bertahan dipertahankan pada waktunya.

Seni colonial

Seni kolonial Chili [7] mengacu pada seni yang diproduksi pada periode kolonial Chili yang diperpanjang dari 1598 M hingga 1810 M. Periode melihat campuran teknik Eropa dengan warisan budaya asli.

Secara artistik, periode dimulai sekitar pertengahan abad ke-17 dan pada awalnya dipimpin oleh para Yesuit Spanyol dan oleh pengrajin yang bekerja yang tidak memiliki pelatihan artistik khusus.

Itu secara langsung dipengaruhi oleh tren artistik Eropa seperti Mannerisme dan Barok, tetapi, seperti semua budaya Chili lainnya yang berkembang selama periode ini, ia juga dipengaruhi oleh seni dan budaya asli, menciptakan gaya baru.

Seni dipandang sebagai hal yang vital untuk pendidikan dan konversi agama masyarakat adat dan memainkan peran penting dalam transmisi dominasi Spanyol dan visi dunia Katolik.

Sekolah Quito

“Escuela Quiteña” [14] (Sekolah Quito) juga berpengaruh pada periode kolonial. Sejak penaklukan Amerika, Quito, Ekuador telah menarik sejumlah besar seniman dari Eropa, berkontribusi pada pendirian sekolah penting yang akan memengaruhi seni di seluruh Amerika Latin, termasuk Chili.

Sekolah ini didirikan oleh para biarawan Fransiskan di Quito dan sangat religius. Pelukis paling penting dari sekolah ini adalah Miguel de Santiago, dianggap sebagai salah satu pelukis paling penting dari seluruh periode kolonial. Miguel de Santiago mengangkat lukisan Amerika Latin ke tingkat yang lebih tinggi, meninggalkan banyak lukisan bagus.

Pengaruh Eropa

Selama pemerintahan Isabella I dari Castile [15] dan Carlos V [16] di Spanyol, seni dianggap sebagai alat vital untuk konversi agama dan pendidikan orang-orang di wilayah taklukan Spanyol di Amerika. Gaya artistik yang berlaku pada saat itu adalah Mannerisme, yang mewakili cita-cita Kristen pada zaman itu.

Namun, ketika orang Eropa yang kaya mulai menugaskan potret diri mereka dan keluarga mereka, mengurangi sumbangan mereka untuk gereja, ini mengurangi produksi seni keagamaan di Eropa dan wilayah Amerika Latin selama abad ke-18. Lukisan asal aristokrat berhenti menjadi alat untuk perubahan sosial dan pendidikan dan mulai menjadi simbol kekayaan.

Warisan

Periode kolonial menandai perubahan besar dalam seni Chili dari periode pra-Kolombia sebelumnya, dengan upaya bersama untuk menghilangkan sisa-sisa budaya pagan yang ada sebelum penaklukan.

Namun, lukisan pra-Columbus bertahan karena proses integrasi yang terjadi selama periode ini, di mana simbol-simbol dan adat-istiadat menemukan ekspresi dalam karya kolonial. [18]

Secara umum, periode kolonial dianggap berakhir dengan penampilan José Gil de Castro, seorang pelukis penting asal Peru, yang memulai tradisi pelukis keliling di Chili.

Siswa Ciccarrelli (1849–1869)

Gaya neoklasik usang yang dikembangkan oleh Ciccarelli dan dipaksakan pada murid-muridnya dimanifestasikan dalam tema-tema yang belum pernah terlihat sebelumnya dalam lukisan Chili, seperti mitologi, sejarah kuno dan Klasik.

Beberapa muridnya menentang ajarannya, yang paling menonjol adalah Pedro Lira dan Antonio Smith, yang, terlepas dari studi mereka di akademi, mengembangkan gaya mereka sendiri dan mendapatkan pengakuan besar. Berikut ini adalah beberapa siswa Ciccarelli yang paling penting:

Pedro Lira: Dianggap sebagai pemimpin alami akademi dengan buku Lukisan Chili, 200 tahun oleh Ricardo Bindis. Lira adalah yang pertama dan paling terkenal dari empat master besar lukisan Chili. Sejarawan seperti Romera menganggapnya bagian dari “generasi abad pertengahan.”
Antonio Smith: Pelukis romantis, pencipta sekolah bentang alam nasional dan kartunis Chili pertama. Juga bekerja di Correo literario (majalah Literature Mail). [39] Salah satu kritik paling keras terhadap Ciccarelli.
Manuel Antonio Caro: Pelukis adat dan tradisi bersejarah dan bagian dari kelompok “pelopor lukisan Chili”. Pelukis Penculikan O’Higgins dan Zamacueca.
Pascual Ortega Portales: Pelukis. Karya seninya adalah orisinalitas, romantisme, dan realisme.
Onofre Jarpa Labra: Pelukis pemandangan romantis.
Cosme San Martín: artis luar biasa; akan menjadi direktur Chile pertama dari Akademi Chili.
Abraham Zañartu: Pelukis dan pelukis generre.
Miguel Campos: Siswa berprestasi di Akademi dengan karir yang terkenal sebagai ilustrator di Paris.
90-an

Berbeda dengan pendahulunya, para seniman dekade ini tampaknya kurang identitas, atau setidaknya identitas bersama. Tidak ada unsur pemersatu seperti orientasi estetika atau politik yang menyatukan mereka di bawah satu tema.

Karya-karya mereka dapat diklasifikasikan sebagai Neo-Pop, realistis, abstrak, lansekap, etnis dan grafis, menangkap beberapa tema, terhubung longgar.

Pada tahun 2004, sebuah pameran berjudul The Lost Generation: Decade of 90s menyatukan beberapa seniman yang mewakili dekade ini. Pameran ini diselenggarakan oleh pelukis Jorge Gonzales Lohse dan diadakan di pusat perbelanjaan di selatan Santiago.

Gonzales Lohse, yang juga merancang pameran, menyoroti tiga alasan utama untuk keragaman atau eklektik seni seni Chili di tahun 90-an: kembalinya demokrasi; pasar seni yang muncul; dan pembukaan sekolah seni baru di universitas yang baru dibuat.

“Tahun 90-an melihat kemunculan seni dengan tujuan komersial dalam sistem yang sangat terstruktur,” kata Gonzalez Lohse seperti dikutip di PortaldeArte.cl

Demikian informasi yang dapat kami sampaikan! Terimakasih sudah membaca!…

Ilustrasi Seni Yang Berasal Dari Australia

Ilustrasi Seni Yang Berasal Dari Australia – Seni Australia adalah seni apa pun yang dibuat di atau tentang Australia, atau oleh orang Australia di luar negeri, dari zaman prasejarah hingga sekarang.

Ini termasuk Aborigin, Kolonial, Lansekap, Atelier, pelukis awal abad kedua puluh, pembuat cetak, fotografer, dan pematung yang dipengaruhi oleh modernisme Eropa, seni kontemporer.

Seni visual memiliki sejarah panjang di Australia, dengan bukti seni Aborigin telah ada sejak 30.000 tahun yang lalu. Australia telah menghasilkan banyak seniman terkenal dari sekolah-sekolah Australia Barat dan Pribumi,

termasuk pelukis udara plein Sekolah Heidelberg abad ke-19, Antipodean, Sekolah cat air Australia Tengah Hermannsburg, Gerakan Seni Gurun Barat, dan contoh-contoh umum yang terkenal dari sekolah-sekolah terkenal. Modernisme tinggi dan seni postmodern.

Pribumi Australia

Nenek moyang pertama orang Aborigin Australia diyakini telah tiba di Australia sejak 60.000 tahun yang lalu, dan bukti seni Aborigin di Australia dapat ditelusuri kembali setidaknya 30.000 tahun yang lalu.

Contoh-contoh karya seni cadas Aborigin kuno dapat ditemukan di seluruh benua. Contoh-contoh penting dapat ditemukan di taman nasional, seperti situs UNESCO yang terdaftar di Uluru dan Taman Nasional Kakadu di Wilayah Utara, dan lukisan batu Bradshaw di wilayah Kimberley di Australia Barat.

Seni cadas juga dapat ditemukan di dalam taman yang dilindungi di daerah perkotaan seperti Taman Nasional Ku-ring-gai Chase di Sydney. Ukiran batu Sydney berusia sekitar 5.000 hingga 200 tahun.

Murujuga di Australia Barat memiliki Friends of Australian Rock Art yang menganjurkan pelestariannya, dan banyak ukiran yang terdaftar sebagai warisan pada 2007. joker123

Dalam hal usia dan kelimpahan, seni gua di Australia sebanding dengan Lascaux dan Altamira di Eropa, dan seni Aborigin diyakini sebagai tradisi seni tertua yang berkelanjutan di dunia. Ada tiga gaya regional utama. https://www.benchwarmerscoffee.com/

gaya geometris yang ditemukan di Australia Tengah, Tasmania, Kimberley dan Victoria dikenal karena lingkaran konsentrisnya, busur dan titik-titiknya; gaya figuratif sederhana yang ditemukan di Queensland;

gaya figuratif kompleks yang ditemukan di Arnhem Land yang mencakup seni X-Ray. Desain-desain ini umumnya membawa makna yang terkait dengan spiritualitas Dreamtime.

Gold rushes and expansion (1851–1885)

Dari 1851, Rush Emas Victoria menghasilkan gelombang besar pemukim dan kekayaan baru. S. T. Gill (1818–1880) mendokumentasikan kehidupan di ladang emas Australia, namun pasar seni kolonial terutama menginginkan lukisan lanskap, yang ditugaskan oleh pemilik tanah kaya atau pedagang yang ingin mencatat kesuksesan materi mereka.

Karya William Piguenit (1836–1914) “Flood in the Darling” diperoleh oleh Galeri Nasional New South Wales pada tahun 1895.

Beberapa seniman terkenal termasuk Eugene von Guerard, Nicholas Chevalier, William Strutt, John Skinner Prout dan Knut Bull.

Louis Buvelot adalah tokoh kunci dalam lukisan lanskap di periode berikutnya. Dia dipengaruhi oleh pelukis sekolah Barbizon, dan dengan demikian menggunakan teknik udara plein, dan pandangan yang lebih dijinakkan dan menetap tanah,

berbeda dengan penekanan pada keanehan atau bahaya yang lazim pada pelukis sebelumnya. Pendekatan ini, bersama dengan pengaruh pengajarannya yang luas, telah membuatnya dijuluki “Bapak Lukisan Pemandangan di Australia”

Beberapa upaya pameran seni dilakukan pada tahun 1840-an, yang menarik sejumlah seniman tetapi merupakan kegagalan komersial. Namun, pada 1850-an, pameran reguler menjadi populer, dengan berbagai jenis seni diwakili. Pameran pertama adalah tahun 1854 di Melbourne.

Sebuah museum seni, yang akhirnya menjadi Galeri Nasional Victoria, didirikan pada tahun 1861, dan mulai mengumpulkan karya-karya Australia serta mengumpulkan koleksi master Eropa. Yang terpenting, ia juga membuka Sekolah Seni, yang penting bagi generasi seniman kelahiran dan kelahiran Australia berikutnya.

H. J. Johnstone, seorang fotografer profesional dan mahasiswa Buvelot, melukis pemandangan semak berskala besar Evening Shadows (1880), akuisisi pertama Galeri Seni Australia Selatan dan mungkin lukisan yang paling direproduksi di Australia.

Museum dan galeri seni di Australia

Australia memiliki museum dan galeri seni utama yang disubsidi oleh pemerintah nasional dan negara bagian, serta museum seni swasta dan galeri universitas dan kota kecil.

Galeri Nasional Australia, Galeri Seni Modern dan Galeri Seni New South Wales memiliki kekuatan besar dalam mengoleksi seni Wilayah Asia Pasifik. Yang lainnya termasuk Galeri Nasional Victoria di Melbourne, yang memiliki koleksi seni Barat Australia yang signifikan.

Museum Seni Kontemporer, Sydney dan Museum Seni Lama dan Baru yang dimiliki secara pribadi di Hobart, Tasmania dan Galeri Kelinci Putih di Sydney secara luas dianggap sebagai koleksi seni kontemporer internasional yang cerdas.

Institusi lain termasuk Galeri Seni Australia Selatan di Adelaide, Galeri Seni Newcastle, Galeri Potret Nasional Australia, Museum Nasional Australia, Museum dan Galeri Canberra, Museum Tasmania dan Galeri Seni di Hobart, Museum dan Galeri Seni Australia.

Wilayah Utara di Darwin, dan Galeri Seni Australia Barat di Perth. Perpustakaan Negara Bagian New South Wales memiliki koleksi penting yang terdiri atas seperempat juta karya seni yang banyak berasal dari masa kolonial. Lebih banyak materi dipegang oleh perpustakaan Nasional dan Negara Bagian lainnya.

Pasar seni

Siklus boom dan bust dalam seni kontemporer terbukti dalam booming seni kolonial 1980-an yang berakhir pada saat crash pasar saham 1987 dan keluarnya banyak seniman dan pedagang, diikuti oleh booming tahun 2000-an dalam lukisan titik Aborigin dan lukisan modernis akhir Australia, yang berakhir pada saat krisis keuangan global dan pertumbuhan kolektor dan kepentingan publik dalam sirkuit seni kontemporer internasional.

Skema royalti penjualan kembali 5% dimulai pada tahun 2010 di mana seniman menerima 5% dari harga jual ketika karya seni yang memenuhi syarat dijual kembali secara komersial dengan harga $ 1000 atau lebih.

Antara 10 Juni 2010 dan 15 Mei 2013, skema ini menghasilkan lebih dari $ 1,5 juta royalti untuk 610 seniman. Beberapa pembeli keberatan membayar royalti yang dijual kembali, sementara yang lain tidak keberatan royalti akan langsung ke artis. Namun, mereka khawatir tentang birokrasi lebih lanjut dan gangguan birokrasi.

Pada 2014/15 ada pelelangan kembali seni kolonial di lelang. Lukisan pemandangan pedesaan abad ke-20 yang terjangkau sangat apung. Sementara pasar seni belahan bumi utara telah mengantisipasi koreksi besar-besaran di pasar seni Australia yang beralih ke pasar menengah.

Acara seni yang berorientasi sosial seperti pameran seni dan dua tahunan terus tumbuh dalam ukuran dan popularitas di kancah seni kontemporer.

Sebuah pasar baru telah muncul di Cina, di mana seniman Australia menjual karya-karya di pasar tradisional lokal: “Sementara orang Cina selalu memiliki hasrat untuk seni tradisional Cina, menurut rumah lelang global Sotheby, minat yang meningkat dalam seni internasional kontemporer adalah tren terbaru “

Galeri komersial yang lebih kecil telah berjuang untuk tetap dalam bisnis di tahun 2010 meskipun ekonomi berfungsi, meskipun ada sedikit konsensus tentang alasan untuk ini.

Demikian informasi yang dapat kami sampaikan! Terimakasih sudah membaca!…